Выставка "Под одним небом" в фонде In Artibus

Выставка «Под одним небом» в фонде In Artibus (до 30 августа 2025 года) иллюстрирует диалог между русским и французским искусством XIX–XX веков. Представлено более 60 произведений живописи и графики из личной коллекции Инны Баженовой - основателя фонда. На стенах выставочного зала соседствуют классики французского модернизма и русские художники. Экспозиция построена не по хронологии и не по школам. Куратор выставки Елена Руденко акцентирует внимание на взаимосвязях между русской и французской художественными традициями, особенно на влиянии французской школы на русское искусство XX века. С 2016 года проект "Под одним небом" кочевал по российским городам.. И вот теперь мы можем увидеть итоговую версию. Сейчас название выставки обретает второе дыхание: теперь это не просто про диалог культур, а про целостность человеческого взгляда на мир, независимо от паспорта. Потому что - это выставка не про стили, а про ощущения, потому что - это редкий случай: смотришь на искусство, и ощущаешь, как оно смотрит в ответ.

Особые отношения в этой области связывали французов и русских. Московские коллекционеры Иван Морозов и Сергей Щукин, которые регулярно транспортировали в Россию лучшее из новой французской живописи, относительная простота путешествий по Европе, позволили русским художникам познакомиться с революционными новинками арт-процесса, глубоко воспринять его, а впоследствии и возглавить на некоторое время. Почти до середины ХХ века, а в общей сложности - около трёх столетий, французское искусство было ведущим в мировом арт-процессе. В силу своей открытости оно аккумулировало ценности классического Ренессанса, вместило в себя традиции школ Северной Европы, совершило "импрессионистскую революцию пленэра" и вписало новую страницу в историю живописи. В Европе и Америке не была ни одной профессиональной живописной школы, не подпавшей под обаяние французского искусства. Произведения Оноре Домье, Одилона Редона, Мориса Утрилло и Адольфа Монтичелли и работы русских мастеров - Петра Кончаловского, Александра Шевченко, Надежды Удальцовой, Александра Древина, Анатолия Зверева и Владимира Вейсберга, демонстрируют различные этапы развития отечественного искусства в контексте европейских тенденций.




Морис Утрилло (1883 - 1955) - родился в парижском районе Монмартр. Его матерью была натурщица Сюзанна Валадон, которая позировала почти всем известным художникам своего времени. Отец неизвестен. В 1891 году мальчика усыновил испанский художественный критик и писатель Мигель Утрилло. Морис не получил систематического художественного образования, некоторые принципы ему подсказала мать, также занимавшаяся живописью. Он начал писать городские пейзажи (преимущественно Монмартр) в качестве психотерапии: мать старалась отвлечь Мориса от алкоголизма, возможно, наследственного. До 1906 г. художник подписывал свои работы как Морис Валадон, затем взял фамилию отчима. Критики оценили работы Утрилло в 1910-х гг. Затем последовал успех у широкой публики. В 1920-е гг. художник стал знаменитостью международного масштаба. Торговцы картинами боролись за работы Утрилло. Вслед за коммерческим успехом последовало и официальное признание. В 1929 г. правительство Франции наградило его орденом Почётного легиона. В 1935 г. Утрилло женился на Люси Валор, которой удалось спасти его от разрушительного образа жизни, она обеспечила художнику два последних благополучных десятилетия. Художник жил с нею в парижском пригороде Ле-Везине, продолжая продуктивно работать до самой смерти. Стихийная, полупримитивистская, но исключительно гармоничная и конструктивная живопись Утрилло оказала большое влияние на современников и последующие поколения живописцев. Перед ним преклонялись Амедео Модильяни и Хаим Сутин. Виды монмартрских улиц в исполнении Утрилло стали визуальным брендом Парижа.


Морис Утрилло. Улица Сен-Рустик, 1944



Морис Утрилло. Улица Републик, 1912



Морис Утрилло. Улица на окраине, 1914

Анри Руссо «Таможенник» (1844 - 1910) - художник-самоучка, один из самых необычных мастеров постимрессионизма, оказавший влияние на творчество многих известных художников ХХ века. Анри Руссо родился в городке Лаваль (департамент Майен), в семье сантехника. После службы в армии устроился на работу во французскую таможню. Руссо до сорока лет работал таможенником и начал писать картины, лишь когда вышел в отставку. Художественного образования не имел. В 1886 г. Руссо впервые показывает свою работу «Карнавальный вечер» широкой публике, участвуя в Салоне независимых. Картина вызвала насмешки публики, однако, когда к ней, думая позабавить, подвели Камиля Писсарро, он пришёл в восторг от работы Руссо, тем самым обратив на него внимание профессиональной публики. Несмотря на кажущуюся простоту, картины Руссо отличаются изощрённостью колорита и тщательностью исполнения. Как подсчитали исследователи творчества Руссо, в некоторых своих пейзажах он использует более сорока оттенков зелёного цвета. В художественном сообществе Франции Анри Руссо высоко ценили. Его поклонниками были Анри де Тулуз-Лотрек, Анри Матисс, Пабло Пикассо. Поэт Гийом Аполлинер в первое десятилетие ХХ века создал полусерьёзный театрализованный культ Руссо, отчасти соответствовавший экстравагантной личности художника. Однако широкое признание пришло к Руссо только после его смерти в 1910 г.


Анри Руссо. Вид Альфорвилля, 1906



Анри Руссо. Зима, 1907

Русский раздел коллекции не выделен как самостоятельный, но существует в контексте общеевропейской истории искусства. Виды Монмартра, созданные Морисом Утрилло, перекликаются с московскими городскими пейзажами, а варианты "сезаннизма" представлены работами как французских, так и русских мастеров одного времени: Андре Дерена, Андре Дюнуайе де Сегонзана, Ильи Машкова, Александра Шевченко, Николая Синезубова и хрестоматийного соцреалиста - Георгия Ряжского, который был в своё время одним из самых одарённых учеников живописной мастерской Машкова во ВХУТЕМАСе.


Георгий Ряжский. Домны в Днепропетровске, 1931



Андрей Гончаров. Натюрморт, 1931



Михаил Рогинский. Городской пейзаж, 1999



Александр Лабас. Утро после тревоги. Москва и Подмосковье в дни войны, 1941



Владимир Вейсберг. Венера с геометрическими фигурами, 1976. Четыре колонны с Венерой и Танагрой, 1982. Белая архитектура, 1980



Владимир Вейсберг. Апельсины в чёрных бумажках на чёрном столе. 1961



Борис Касаткин. Николощеповский переулок, 1980



Борис Касаткин. Троллейбусный парк на Пироговке, 1983



Борис Касаткин. Курсовой переулок, 1977



Александр Шевченко. Пейзаж с деревьями и женской фигурой, 1920

Жорж Сёра (1859-1891) - основатель неоимпрессионизма (пуантилизма, дивизионизма). Родился в Париже в богатой семье. Посещал Школу изящных искусств. В поиске своего пути в искусстве изобрёл так называемый пуантилизм - приём изображения объёмов в пространстве с помощью отдельных цветовых точек. Приём основан на оптическом эффекте слияния цветов при разглядывании изображения на расстоянии. В 1883 г. Сёра создаёт свою первую выдающуюся работу - огромный живописный холст «Купальщики в Аньере». Сёра показал её на первой выставке Группы независимых художников в 1884 г. в павильоне Тюильри. Здесь произошло его знакомство с Полем Синьяком, который впоследствии также будет использовать метод пуантилизма. Вскоре методом увлеклись многие художники того времени, но никому из них не удалось сделать в манере пуантилизма ничего значительного. Этот метод так и остался индивидуальным методом Сёра. Работая с натуры, Сёра любил писать на небольших дощечках - крышках от сигарных коробок. Художник называл их «крокетонами». Твёрдая поверхность дерева, в отличие от вибрирующей натянутой плоскости холста, подчёркивала чётко определённое место каждого мазка в красочной структуре этюда. Сёра обратился к отброшенному импрессионистами методу работы: на основе этюдов, написанных на пленэре, создавать в мастерской картину. Пленэрный этюд колориста-аналитика Жоржа Сёра «Больница и маяк в Онслерв» - живописный камертон экспозиции. Эта работа - фаворит коллекции, она неоднократно участвовала в международных выставках. в том числе в последней по времени крупнейшей ретроспективе художника в Нидерландах.


Жорж Сёра. Больница и маяк в Онфлёре

Оноре Домье (1808 - 1879) - художник-график, живописец и скульптор. Домье родился в Марселе в 1808 г. в семье стекольщика. С детства увлекался рисованием, освоил мастерство литографа. Поначалу зарабатывал на жизнь созданием литографий-иллюстраций для музыкальных и рекламных изданий. В 1840-е гг. составил себе известность карикатурами на политические обстоятельства и общественную жизнь Франции того времени. Общественный темперамент художника заставлял его остро реагировать на любые события в стране. В 1871 г. Домье записался в члены Парижской коммуны. С 1848 по 1871 гг. художник создал не менее четырёх тысяч литографий и ещё столько же иллюстраций карандашом. Громкая и несколько скандальная слава карикатуриста на долгое время заслонила от зрителя грандиозный живописный талант Домье. До недавнего времени Домье-живописец пребывал в статусе «художника для художников». Тонкий критик, поэт Шарль Бодлер уже в 1845 г. ставил Домье в один ряд с Домиником Энгром и Эженом Делакруа, тогдашними божествами французской живописи. Живопись Домье вызывала восхищение Эдуарда Мане и Эдгара Дега; он оказал серьёзное влияние на молодого Поля Сезанна; виртуозное умение строить пространственные планы с помощью цвета предвосхитили многие находки постимпрессионистов. Одна из самых ранних работ на выставке «Бильярдисты» Оноре Домье, художника, повлиявшего на многих.


Оноре Домье. Игроки на бильярде, 1870-е






Антонина Софронова. Портрет девочки в красной косынке, 1936



Александр Древин. Портрет Ермиловой-Платовой, 1929-1930



Илья Репин. Портрет дочери художника Нади, 1876

Адольф Монтичелли (1824 -1886) - самый загадочный и недооценённый французский художник XIX века, родился в Марселе. В Париже, у Поля Делароша в Школе изящных искусств, он выучился на художника академического направления (1842-1846 гг.). В 1855 г. он познакомился с Нарсисом Диасом де ла Пенья, художником барбизонской школы. С этого времени Монтичелли изменил живописную манеру, отказался от академического прошлого и сосредоточился исключительно на изучении палитры - в современной ему живописи не было художника, который бы так свободно обращался с цветом. После 1870 г. Монтичелли вернулся в Марсель, где прожил до конца жизни. За непонятные анахроничные сюжеты (театрализованные празднества в духе Рубенса, Ватто или Делакруа) критики не любили Монтичелли, приклеив художнику ярлык салонного художника с налётом пошлости. Виртуозно разработанные цветовые конструкции и драгоценно мерцающая фактура его живописи оставляли их равнодушными. Стараниями критиков шлейф художника неудачника протянулся за Монтичелли до наших дней. Однако ещё при жизни и на протяжении всего ХХ века Монтичелли оставался любимым художником живописцев-колористов. Винсент Ван Гог восхищался работами Монтичелли и под впечатлением от его живописи резко изменил палитру (1886 г.): стал писать более ярко и смело. Поль Сезанн, живший неподалёку от Марселя, нередко навещал художника между 1874 и 1884 гг. В Россию работы Монтичелли попали благодаря Алексею Боголюбову, основателю Радищевского музея в Саратове. Существует немало свидетельств о постоянном интересе русских художников к творчеству Монтичелли. В 2017 г. впервые на русском языке вышла в свет монография «Адольф Монтичелли» авторства французских исследователей творчества художника Шарля и Марио Гарибальди в переводе Марка Гринберга. Издание осуществлено силами фонда In artibus.


Адольф Монтичелли. Празднество-симпозиум, около 1858



Адольф Монтичелли. Осень, 1870-е



Адольф Монтичелли. Купальщицы, 1870-е



Эдгар Дега. После купания. около 1903 года



Жан-Франсуа Милле. Женщина (Крестьянка сжигает травы)






Наталья Нестерова. Гелати, 1979



Гюстав Курбе. Зимний пейзаж, около 1870

Французский и русский подходы к экспрессионизму - течению, не характерному ни для французского, ни для русского искусства, демонстрируют работы Жоржа Руо и Александра Древина.


Жорж Руо. Библейский пейзаж, 1940



Жорж Руо. Семья клоуна, 1904



Александр Древин. Купальщица, 1930



Александр Древин. Алтай, 1930



Надежда Удальцова. Алтай, 1930



Надежда Удальцова. Берег Мологи, 1937






Борис Касаткин. Окно. Зима, 1993



Михаил Кикоин. Тропа любовников, 1946



Анатолий Зверев. Сосны, 1958-1959



Анатолий Зверев. Пейзаж с церковью, 1959


Пьер Боннар (1867-1947) - французский живописец и график, вошедший в историю искусства как один из лучших колористов ХХ века. В ранний период входил в группу французских художников-постимпрессионистов «Наби», возникшую в Париже в 1888 г. и просуществовавшую приблизительно до 1905 г. (Морис Дени, Поль Серюзье, Эдуар Вюйяр, Поль-Эли Рансон). Молодые художники познакомились, будучи ещё студентами Академии Жюлиана. Группа возникла на волне общего увлечения живописью Гогена, театром, новой литературой, восточной и христианской философией. Дружеские отношения связывали Боннара с другим набидом - Эдуаром Вюйаром. В 1905 г. художники вместе отправились в поездку по Испании, за которой последовали путешествия в Бельгию, Голландию, Англию, Италию, Алжир, Тунис и Южную Францию. Работами Боннара занимался знаменитый парижский маршан Амбруаз Воллар. Творчеством художника серьёзно интересовались русские коллекционеры Иван Морозов и Сергей Щукин. Благодаря этому обстоятельству сегодняшние коллекции ГМИИ им. А. С. Пушкина и Государственного Эрмитажа и обладают превосходными полотнами Боннара. В 1925 г. художник приобрёл дом на Лазурном берегу, в Каннах, где в основном и жил до конца жизни. Масштабная ретроспективная выставка его работ состоялась в Париже в 1946 г. Критики нередко называли Боннара «последним импрессионистом» или «солнечным импрессионистом», однако сам художник критиковал своих предшественников-пленэристов за небрежность композиции и натуралистичность цвета. Для современного зрителя Боннар - художник тонких цветовых отношений, виртуозный мастер композиции.


Пьер Боннар. Пшеничное поле у церкви, около 1907




Альбер Марке (1875-1947) родился в семье железнодорожного служащего. В 1890-1895 гг. учился в парижской Школе изящных искусств, в классе Гюстава Моро. Был близок к фовистам, дружил с Анри Матиссом и Андре Дереном. Выставлялся вместе с ними на Осеннем салоне в 1905 г. Преобладающая часть работ Марке - пейзажи Парижа, чаще всего связанные с Сеной, виды морских гаваней. Их отличает простота изобразительных средств и вместе с тем изысканная ясность. Париж Марке часто писал из окна студии на набережной Сен-Мишель, 19, в которой до него работал Матисс (до 1908 г.), тоже писавший виды из этого окна. В 1923 г. художник женился на Марсель Мартине, уроженке Алжира, которая взяла на себя все жизненные хлопоты. Интроверту Марке это было необходимо, он с трудом общался с людьми. В частности, обилие видов из окна - свидетельство того, что художнику было психологически тяжело выходить на улицу. Важной темой творчества Марке стали пейзажи Алжира. Марке впервые побывал там в 1911 г. вместе с Матиссом, а потом подолгу жил в разные годы своей жизни. В 1934 г. Марке предпринял путешествие в СССР, где был, к своему удивлению, встречен восторженными поклонниками. Для части русских художников первой половины ХХ века Марке с его лаконичной выразительностью художественных средств был настоящим кумиром. Влияние его очевидно в творчестве художников группы «Тринадцать», в частности в работах Антонины Софроновой и Татьяны Мавриной; в работах ленинградской живописной школы 1920-х гг.; в работах московских художников Нового общества живописцев.


Альбер Марке. Розовое дерево, 1944



Альбер Марке. Пальма, 1921



Евгений Окс. Скатерный переулок, 1934



Николай Ромадин. Масловка, 1940



Виктор Мидлер. Зимний пейзаж, 1938



Екатерина Григорьева. Чайхана, 1975



Дмитрий Краснопевцев. Московский двор, 1950-е



Николай Синезубов. Дерево, 1920-е



Александр Ведерников. Натюрморт с двумя букетами в кувшинах, 1973






Илья Машков. Деревья у подножия Ай-Петри, 1923


Андре Дерен (1880-1954) - французский живописец, график, скульптор, один из основателей фовизма. Родился в семье кондитера в парижском пригороде Шату, учился у местного живописца Жакомена. В 1898-1900 гг. Дерен учился уже в Париже в Академии Эжена Карьера, где познакомился с Анри Матиссом и Альбером Марке. Позже - с Морисом Вламинком. В 1905 г. вместе с Матиссом Дерен совершил поездку на юг Франции, в Коллиур, под впечатлением природы которого написал серию знаменитых ярких пейзажей. Их декоративный эффект основан на предельно интенсивном звучании крупных пятен чистых контрастных цветов. Около 1907-1908 гг. творческая манера художника меняется под влиянием живописи Поля Сезанна, ретроспектива которого (1907 г.) всколыхнула жизнь художественного Парижа. Работы Дерена обретают чёткость композиции, сдержанный зелёно-коричневый «сезанновский» колорит, тяготеют к геометричности объёмов. Переосмысление Дереном творческих находок Сезанна открыло путь новому модернистскому направлению французской живописи - кубизму. Андре Дерен сыграл важную роль в становлении Пабло Пикассо как художника. Благодаря вниманию, которое проявляли к художнику русские коллекционеры в начале ХХ века, российские
музейные собрания в настоящее время располагают несколькими важнейшими произведениями Андре Дерена. В 1914 г. Дерен был призван в армию и участвовал в военных действиях. К концу 1910-х гг. его живопись начинает резко меняться. Художник сосредоточен на изучении старых мастеров и склонен осуждать эстетические эксперименты, к которым был некогда причастен. Творчество Дерена приобретает характер индивидуального варианта неоклассицизма.


Андре Дерен. Лес у Лека, 1922



Андре Дюнуайе де Сегонзак. Пейзаж с красыми крышами, около 1910






Одилон Редон (1840-1916) -  художник-символист, живописец, график, декоратор. Родился в Бордо в семье предпринимателя. С 1855 г. занимался акварелью у местного художника-романтика Станислава Горена. В 1864 г. учился в Школе изящных искусств в Париже у Жана Леона Жерома. В это же время он испытывает сильное впечатление от поэзии символиста Шарля Бодлера. В 1865-1870 гг. Редон работает в основном углём, затем в чёрно-белой литографии, создавая большие листы, которые называет «чёрными». Будучи болезненно мнительным человеком, Редон долгое время не мог найти своё место в искусстве. В 1879 г. он решился выпустить альбом своих рисунков, воспроизведенных литографским способом, называвшийся «В грёзах» («В мире мечты»). Вслед за этим циклом последовали: «Эдгару По» (1882), «Искушение святого Антония» (1888, 1889, 1896), «Гюставу Флоберу» (1889), «Цветы зла» (1890) и др. В 1881 г. Редон впервые выставляет все свои «чёрные» рисунки. Работы наполнены жутковатыми причудливыми образами, порождёнными подсознанием художника. В них доминирует тревожное отчуждение и отрешённая мистическая созерцательность. С 1890 г. Редон всё чаще обращается к живописи маслом, пастели, экспериментирует с цветом. Для нового этапа творчества характерны смелые гармоничные сочетания цвета и другие темы: бабочки, цветы, женщины на фоне пейзажа. В 1899 г. Дюран-Рюэль организует выставку молодых художников под названием «В честь Редона», на которой были представлены работы пастелью. Однако после 1900 г. Редон всё заметнее отдаёт предпочтение масляной живописи. Материальное положение Редона долгое время было трудным, ища способ расплатиться с долгами, он начал писать цветочные натюрморты, которые пользовались большой популярностью. Работы Редона охотно покупали русские коллекционеры. В 1913 г. его картины выставлялись на Международной выставке в Нью-Иорке. Творчество Редона по времени совпало с расцветом импрессионизма, но оно абсолютно самобытно. Странные рисунки его «чёрного периода» любили сюрреалисты и считали Редона одним из своих предшественников. О живописи Редона можно говорить в контексте экспрессионизма, хотя такого художественного направления в то время ещё не существовало.


Одилон Редон. Две вазы с цветами, 1905



Фрагмент

Морис де Вламинк (1876-1958) - французский живописец-пейзажист, музыкант и писатель. Яркий представитель фовизма - одного из основных направлений живописи французского модернизма (1904-1908 гг.). В 1905 г. он участвовал (вместе с Анри Матиссом, Андре Дереном, Луи Мангеном и Альбером Марке) в Осеннем салоне, после которого критик Луи Воксель назвал молодых художников фовистами (от фр. les fauves - «дикие звери», «бестии»). Морис де Вламинк родился в Париже в семье музыкантов. Обучался игре на скрипке под руководством отца. С 17-летнего возраста начал регулярные занятия живописью. Поворотным моментом в биографии Вламинка стало случайное знакомство с Андре Дереном в пригородном парижском поезде. Дружеские отношения между Вламинком и Дереном длились всю жизнь. В 1906 г. картины Вламинка покупает парижский маршан Амбруаз Воллар, а в 1907 г. в галерее Воллара состоялась его первая выставка. В 1936 г. Институт Карнеги в Нью-Йорке организовал выставку работ Вламинка в США. В 1954 г. художник представлял Францию на биеннале в Венеции.


Морис де Вламинк. Ваза с цветами, 1930-е



Борис Касаткин. Букет с красными цветами на окне, 1985



Владимир Лебедев. Натюрморт с цветами, 1942

Жорж Брак (1882 - 1963) - художник, график, сценограф, скульптор и декоратор. Основатель кубизма (совместно с Пабло Пикассо). Жорж Брак родился в приморском Аржантёе, вырос в Гавре и учился на маляра и декоратора, как его отец и дед. В Париже, куда Брак переехал в 1900 г., он поступил в академию Эмбера и работал там до 1904 г. Раннее творчество Брака тяготело к импрессионизму, однако в 1905 г., после выставки фовистов, он стал склоняться к ярким цветам и упрощённым формам, как у Анри Матисса и Андре Дерена. В 1907 г. живопись Брака начала эволюционировать под влиянием творчества Поля Сезанна, умершего в 1906 г., чья ретроспективная выставка значительно повлияла на художественную жизнь Парижа в целом. В 1907 г. Брак знакомится с Пабло Пикассо. В 1909-1912 гг. они вместе работали над теоретическим обоснованием кубизма. В фокусе интереса Брака находилась идея Сезанна о совмещении на плоскости холста множества перспективных точек зрения. Брак участвовал в Первой мировой войне, в 1915 г. был тяжело ранен и смог вернуться к живописи только в 1917 г. С течением времени он искал в искусстве всё большей просветлённости