Галерея Тейт Модерн. Часть 2.

pailish — 05.01.2024 Монохромные картины у многих людей вызывают неприятие. Одни считают их символом бессмысленности и абсурдности современного искусства, другие видят в них элитарность и трудность восприятия, а третьи вообще считают чем-то вроде шутки, прикола. Глядя на белые картины, многие говорят: Леонардо да Винчи перевернулся в гробу (Da Vinci will be dying again in his tomb, как говорят англичане). Особенно возмущает, что белые холсты, на которых ничего не нарисовано, уходят за бешеные деньги. Главный аргумент противников белых картин - я бы так тоже смог.



Брэм Богарт. 1974 год.


Художники рисовали картины только в белом цвете еще начиная с начала 20-го века. Они считают монохромные картины, белые в частности, важным способом создания абстрактных работ.
В одном из залов галерее на стенах развешаны белые или почти белые картины разных художников. Видя их все вместе, понимаешь, насколько они разные, хотя использован лишь один цвет - белый. Использованы разные оттенки белого, разные техники, материалы, фактура, поверхности, структуры и даже формы. Некоторые художники используют философский подтекст белого. В некоторых культурах белый цвет символизирует созерцание, пустоту или бесконечное пространство.
Если бы мне сказали: создай свою белую картину. Смогла ли бы я создать что-то свое, оригинальное?



Картина Брэма Богарта (слева) называется White plane white. Художник на этой картине уделил внимание физическим свойствам краски. Он нанес на поверхность толстый слой краски и сдвинул ее к краям. Его заинтересовали границы картины. "Я начал понимать, насколько важны границы картины... расширение материала за границы картины", - сказал он об этой картине.

Справа картина Роберта Раймана Ledger 1982 года. Райман был новатором в использовании белых и других монохроматических картин.
Райман написал эту картину, используя пигментированный шеллак (природная смола), нанесенный на пластик и стекло. Он исследовал следы кисти. Он использует белый цвет, потому что считает его менее "эмоционально заряженным", чем другие цвета. Его работы посвящены поверхности, текстуре, зерну и свету, а не композиции.



Картина Пьеро Мандзони Achrome, 1958 год. Художник создавал картину, пропитывая холст каолином, мягкой глиной, используемой для изготовления фарфора. Каолин удалил любой цвет, создав "ничто". Под тяжестью он провисал, образуя складки на поверхности холста. Мандзони описал картину как "белую поверхность, которая не является ни полярным пейзажем, ни вызывающим воспоминания или красивым предметом, ни даже ощущением, символом или чем-то еще, белой поверхностью, которая есть не что иное, как бесцветная поверхность или просто поверхность даже просто "есть".



Следующие картины нельзя назвать чисто белыми, на них есть слабо видимые полосы в пастельных тонах. Это картины американки канадского происхождения Агнес Мартин - Faraway Love 1999 года и Untitled #5 1994 года, покрыты толстым слоем непрозрачной белой акриловой краски, а сверху нанесены полосы прозрачной акриловой краски разных цветов.
Агнес Мартин считается ключевой фигурой в сфере абстрактного искусства США.  Ее творчество часто относят к минимализму, но сама художница считала себя  абстрактным экспрессионистом. Работам Агнес присущи "упорядоченная геометрия и несовершенство". Если приглядеться, то на ровных полосах видны слабые мазки и лужи краски. Эти отметки придают произведениям искусства ощущение ручной работы. На работы Агнес оказали влияние дзэн-буддизм и китайская философия Дао. "Красота – это тайна жизни. Это не только в глазах. Это в уме. Это наш положительный ответ на жизнь", - говорила художница.



"История Живопись 17 Итальянский. "Желтый Неаполь". Шесть работ (на фото только четыре) британской художницы Марии Лалич из 53 работ из серии "Исторические картины". 1995 год.
На первый взгляд картины кажутся монохромными, но при внимательном рассмотрении становятся видны слои краски, наложенные друг на друга. Боковые поверхности не прокрашены, и слои можно рассмотреть, глядя на картины сбоку.
Слои краски художница наносила не просто так, а в соответствии с таблицей, напечатанной Winsor & Newton (компания созданная в 1832 году, производящая продукцию для художников). Компания делит историческое развитие пигментов на шесть эпох: "пещерную", "египетскую", "греческую", "итальянскую", "18/19 века" и "20th век".
 Каждая работа этой серии включает в себя все цвета, которые были указаны для одного из этих периодов, в данном случае "Итальянского".
 
Italian. Naples Yellow
Raw Sienna (очень похожа на охру)
Burnt Sienna (коричневато-красный цвет)
Terre Verte ("зеленая земля", классический зеленый цвет)
Raw Umber (дает коричневые и бежевые цвета)
Burnt Umber (теплый темно-коричневый цвет с темно-бордовым оттенком)
Ultramarine (ультрамарин).

Если предыдущая художница создавала абстрактные картины, используя исторические сведения о пигментах, то этот художник создавал свои картины под влиянием музыки.
Герхард Рихтер в рейтинге современных художников считается №1 среди немецких художников. Он самый дорогой и самый успешный немецкий художник. Он стоял у истоков зарождения направления капиталистического реализма (направление в немецком искусстве, близкое к поп-арту).







Картины были задуманы Герхардом Рихтером как единая группа, названная в честь американского композитора-экспериментатора Джона Кейджа. Рихтер создавал эти абстрактные работы в 1980-ые годы, нанося слои краски, а затем протирая поверхность ракелем. Когда верхние слои краски перемещались по холсту, более ранние слои картины всплывали на поверхность. Работая над этими картинами, Рихтер слушал музыку Джона Кейджа и назвал их в честь композитора.

Поп-арт (массовая культура) - один из самых известных видов современного искусства. Поп-арт возник в качестве реакции на живопись абстрактного экспрессионизма. В качестве предметов своего творчество художники использовали продукты массового потребления, придавая им необычное содержание. Иногда считается, что поп-арт прославляет потребительство. Но на самом деле большинство произведений этого течения несут социальные идеи, часто ироничны и наполнены социальной критикой.



"Валентина" — картина бельгийской художницы Эвелин Аксель. Картина представляет собой золотой фон с белой женской фигурой в позе пин-ап. Длинная молния проходит вниз по телу, повторяя линию, которую может принять одежда. Слева висит белый шлем. Техника картин художницы состояла в следующем. Она вырезала женские силуэты на полупрозрачном пластике и разрисовывала эмалью. По словам критиков художница прославляла женскую сексуальность и фантазии.
В работе "Валентина", по словам тех же критиков, художница "изображает освобождение женского тела и раскрытие воплощенной близости в контексте космической гонки 1960-х годов". Своей эмблемой художница выбрала советскую космонавтку Валентину Терешкову.



Андре Фужерон. "Атлантическая цивилизация". 1953 год. В своей картине французский художник использовал карикатуры и стереотипы для критики "американизации Европы". Бизнесмен, представляющий Францию, приветствует американский автомобиль, символизирующий капитализм. Его внешний вид представляет собой антисемитский стереотип, соответствующий коммунистической пропаганде 1950-х годов. Художник изображает американского солдата, читающего порнографические журналы, чернокожего ребенка, чистящего обувь, и бедных, обездоленных палестинских детей алжирских беженцев, укрывающихся под рифленым железом.



Рой Лихтенштейн. "Размышление о крике". 1990 год. Рой Лихтенштейн - американский художник, представитель поп-арта. Работа описывается, как сочетание "литографии, трафаретной печати и рельефа с коллажем и тиснением".



Ван Гуаньи. "Великая критика". 1992 год. Ван вырос во время Китайской культурной революции. В 1970-ые годы он работал художником агитационных плакатов. В 1980-ые годы Китай повернулся в сторону увеличения иностранных инвестиций и потребительства. Ван стремился объединить эти противоборствующие силы на холсте, объединив популярные политические и коммерческие символы в стиле, который стал известен в китайском искусстве, как "политический поп-арт".

В советских плакатах и афишах немого кино использовалось такое направление в искусстве, как конструктивизм. Конструктивизм - это одно из направлений русского и советского авангарда.



Афишу фильма "Третья жена муллы" 1928 года создал Иосиф Герасимович, художник-график, автор многих кино-плакатов. Он часто смешивал геометрические формы с техникой фотомонтажа. Фильм  рассказывает о борьбе за эмансипацию женщин среди советского мусульманского населения.
Афишу фильма "Обыкновенная история" 1927 года создали художники-конструктивисты братья Стенберги, Георгий и Владимир. С 1930-го года братья практически перестали работать с плакатами. На собраниях их постоянно обвиняли в формализме и в том, что они "находятся в плену рекламной буржуазной манеры".



Фернан Леже. "Акробат и его партнер". 1948 год. Картина маслом на льняном холсте. Стиль Леже критики относят к кубизму, друзья называли его тюбистом (игра слов "tube-tubiste" — труба-трубист), сам он считал, что следует традициям французского импрессионизма, в котором его не устраивал отсутствие конструктивной силы, которую он "пытался наращивать гипертрофией объемов и пластических форм").
Чтобы понять картину, надо знать ее символику. "Акробат и диск, окружающие его, олицетворяют движение. Цветок в его руке, состоящий целиком из кривых, усиливает впечатление движения; то же самое относится и к форме кошки на стуле. Прямые линии стула, линии края холста с той же стороны, лестницы и партнера акробата образуют статическую часть картины, резко контрастирующую с динамической частью", - объяснял художник. Не понятно? Мне тоже. Другими словами все это - "осязаемые символы человеческой свободы", а акробат и его партнер —  герои, олицетворяющие для Леже динамизм современной жизни.

Разобраться в современных течениях изобразительного искусства тот еще квест. Вот, например, такое течение, как ядерное искусство.
Согласно Википедии ядерное искусство - это направление современного искусства, возникшее как реакция на использование ядерного оружия и атомной энергии. В атомном искусстве используют сюрреалистический язык. Вроде бы понятно, но догадаться, что эта картина относится к ядерному искусству я бы ни за что не смогла.



Энрико Бай, итальянский скульптор и художник. "Огонь! Огонь!". 1964 год.
Работы Энрико содержат абсурдный юмор и приемы сюрреализма и дадаизма. В работах художника присутствует экспрессионистский стиль живописи.

Если вы еще не сломали голову, посмотрите на этот масштабный коллаж (приблизительный размер 3,2х4.8 м), который полностью создан из бумажных клочков, найденных художником на улицах Лос-Анжелеса вокруг его студии. По мнению художника эти обрывки "действуют как память о приклеенных и прошлых вещах"



Марк Брэдфорд. "Лос Москос". 2004 год. Название происходит от уничижительного жаргонного термина, обозначающего поденщиков-мигрантов в районе залива Сан-Франциско.

P.S. О современной скульптуре и перфомансах я расскажу в последней, третьей части.

Оставить комментарий

Популярные посты:

• Ранее
• Архив