Галерея Tate Modern в Лондоне. Часть 1.

pailish — 04.01.2024 Мы любим галерею Tate Modern в Лондоне. Это настоящая энциклопедия современного искусства и в тоже время срез современной социальной жизни. Здесь есть работы, как признанных классиков современности, так и странные картины и изделия, понять идею и смысл которых самостоятельно невозможно. В искусстве я придерживаюсь принципа - если направление в искусстве мне не нравится, я все равно попытаюсь в нем разобраться.
Галерея Tate Modern была основана в 1897 году как Национальная галерея британского искусства. Это не государственное учреждение, но его главным спонсором является Department for Culture, Media and Sport. Галерея Тейт названа в честь сахарного магната Генри Тейта из Tate & Lyle , который заложил основы коллекции.



Впереди "многа букаф", поскольку без них в современном искусстве нелегко разбираться.


Надписи "Lead Us" и "Idylls End In Thunderstorms" созданы Иэном Гамильтоном Финли в 1968 году и в 1986 году соответственно. Это, так называемое, концептуальное искусство.
Финли начинал карьеру, как писатель. Он считал, что слова не должны быть "пленниками" внутри книги, а должны быть освобождены как произведения искусства.
Фраза "Идиллии заканчиваются грозами" навеяна яркими воспоминаниями детства. Когда Финли было 14 лет, он пережил Блиц Клайдбанка в 1941 году (Клайдбанк - город в Большом Глазго. Из 12 тысяч домов целыми остались только 8. Погибло более 1200 человек). Финли вместе со своей семьей прятался под кухонным столом. С тех пор он панически боится гроз).
Дальше ноги ведут нас к осмотру произведений мэтров.



Пабло Пикассо. "Три танцора", написанная в 1925 году, считается первой работой Пикассо в стиле сюрреализма.



Макс Эрнс. "Слон Целебес". Название картины имеет несколько значений. Целебес — это индонезийский остров, форма которого напоминает форму слона. В то же время сам Эрнст говорил, что сюжет картины был вдохновлен детской песенкой, в которой упоминается "слон из Целеба, похожий на демона". Черная фигура не только напоминает слона, но также ассоциируется с символами военного прошлого: противогазом и танком.



Наталья Гончарова. "Прачечная". 1913 год.
В этой картине ничего объяснять не надо, и так все понятно. Наталья Гончарова - замечательная художница и интересная личность, очень жаль, что она до сих пор не заняла почетное место на Олимпе русского искусства.
Приведу отрывок из книги В. Бурлака "Русский Париж":
"Когда художники Наталья Гончарова и Михаил Ларионов освоились в Париже, придумали шутливое испытание для своих коллег-соотечественников, недавно прибывших в столицу Франции. Они приглашали их в "Клозри де Лила" и за бокалом вина рассказывали старинное поверье:
— В средние века на месте, где теперь расположено это популярное кафе, был подло убит художник, — сообщала Наталья Гончарова.
Михаил Ларионов тут же подхватывал:
— С той поры дух несчастного не покидал Монпарнаса. Но он не желает никому зла, не строит козни, а лишь дает возможность каждому посетителю "Клозри де Лила" определить степень своего художественного таланта.
Конечно, мало кто из приятелей Гончаровой и Ларионова верили в привидение, но все же интересовались, каким образом оно помогает выяснить наличие художественного дара.
— Надо заказать в "Клозри де Лила" белое вино и некоторое время вглядываться в него, — дружно поясняли Наталья и Михаил. — У настоящего таланта должна появиться красная искорка в наполненном бокале.
Обслуживающий персонал и посетители "Клозри де Лила" поначалу удивлялись: что за странная привычка появилась у приезжих из России художников? Уставятся в бокал и подолгу, словно завороженные, не могут от него оторвать взгляд. То ли хотят обнаружить в вине тайну мироздания, то ли — опьянеть, не пригубив напитка.
После таких странных сеансов некоторые вполне серьезно заявляли, что и в самом деле видели красную искорку.
Борис Носик, много лет изучавший жизнь выходцев из России в Париже, писал о Наталье и Михаиле: "...эти два художника никогда не расставались, с самого 1901 года, когда они встретились юными двадцатилетними в Училище Живописи, Ваяния и Зодчества.
Они прожили вместе больше шестидесяти лет, создав множество полотен, эскизов, рисунков, книжных иллюстраций, театральных костюмов, театральных декораций для Дягилева, для Бэлы Рейн, для многих других. Но на свои заработки они не приобрели даже собственной квартиры в Париже — вообще никакой собственности, кроме скромного серого камня и места на кладбище "Иври Паризьен", на котором упокоились один за другим в начале шестидесятых годов: ведь оба они были щедры, оба были бессребреники, оба считали, что ничто, кроме искусства, не имеет значения".



Андре Дерен. "Художник и его семья". Андре Дарен - французский художник. чье творчество относят к фовизму, течению в живописи французского постимпрессионизма начала 20 века.
Картина полна символизма, ее сюжет вымышлен. Обычно художник работал в студии один, но здесь окружил себя членами семьи и животными. Его жена читает книгу мифов, что свидетельствует об их общих литературных интересах. Его племянница держит собаку, средневековый символ верности. Его невестка подает прохладительные напитки, ее поза напоминает ранние европейские картины, оказавшие влияние на Дерена. Животные и фрукты также имеют символическое значение, отсылая к различным эзотерическим и художественным темам.



Автопортрет немецкого художника-дадаиста, представителя "новой вещественности", Кристиана Шада.

Дадаизм существовал с 1916 по 1923 год. Затем слился в одних странах с сюрреализмом, а в других  с экспрессионизмом. Некоторые теоретики искусства считают, что из дадаизма берет свое начало постмодернизм.



Сверху - Мария Хелена Виейра да Силва. "Плиточная комната". 1935 год. Сюрреализм.
Художница писала картину, когда болела желтухой. Искусствоведы считают, что "линии разноцветных квадратов связаны с ее лихорадочными видениями и одиноким детством, когда после смерти отца мать погрузилась в глубокий траур".

Снизу слева-направо
 Жан Арп (Ганс Арп). "Созвездие по законам случайности". Сюрреализм.
Эта картина - деревянный барельеф. Восемь черных и белых форм были нарисованы или размещены на поверхности доски, окрашенной в белый цвет.

 Ганс Беллмер. "Peg-Top". !937-1952 годы. Сюрреализм.
"У нижнего края картины фигура одной костлявой рукой цепляется за волчок. Верх вращается на постаменте неправильной формы, и фигура ненадежно балансирует. Тонкое, тонкое тело тянется вверх, встречаясь с двумя объемистыми грудями и маленькой головкой, напоминающей богомола. Этой призрачной фигуре придается видимость устойчивости благодаря наличию беглой скелетной руки, которая зигзагообразно движется по длине тела.  Пег-Топ представляет собой тревожное явление. Волчок символизирует женщину, кружащую головы и сердца мужчин на своем волчке".

Фрэнсис Пикабиа. "Красавчик-мясник". 1924-1935 годы. Сюрреализм.
У картины интересная история. "На первом этапе на картине был изображен краснолицый мужчина в белой рубашке и черном костюме. Он был написан в наивном стиле. Кроме красок художник использовал другие материалы: для прически мужчины использовались веревки и короткие пластиковые расчески, для бровей - иглы для штопки, для усов и бородки - зубочистки, кольца для занавесок - для глаз и рта, рулетка для носа и набор перьев в области галстука-бабочки. Пикабиа высмеивал традиционное искусство и, используя повседневные реальные предметы, стремился объединить сферы искусства и повседневной жизни. Существует предположение, что это произведение было задумано как сатирический портрет видного французского интеллектуала и политического деятеля Раймона Пуанкаре.
Спустя несколько лет Пикабиа переработал весь образ. Он снял все элементы коллажа. Затем он нарисовал черты лица мужчины черным цветом, повторяя формы исходных элементов коллажа, и прикрепил новые, более крупные расчески в области волос мужчины и нарисовал на лице мужчины голову и руки женщины с голубыми глазами и пухлыми красными губами".
Поскольку картина меняла образы, сайт галереи сообщает, что картина "не поддается прямолинейной интерпретации". Биограф Пикабиа описал решение Пикабиа переписать эту конкретную работу как "ошеломляющий и, по сути, дадаистский акт самоосвобождения".

Подборка картин в экспозиции "The Disappearing Figure: Art after Catastrophe" представлена художниками, которые пытались разобраться, как заниматься искусством после катастрофических событий Второй мировой войны.



Ямасита Кикудзи. "Обожествление солдата". 1967 год.
Вот как объясняют на сайте галереи эту картину: "В композиции доминирует почти симметричное изображение двуглавой лошади, на одной из которых изображены полосы зебры; другая носит уздечку, что, напротив, указывает на приручение и угнетение со стороны человечества. Из этого существа торчат различные конечности и омерзительные лица. Мотив бестелесных зубов повторяется в нижней части этой сложной конфигурации, создавая общее впечатление галлюцинаторного видения или кошмара".



Грэм Сазерленд OM (Graham Sutherland OM). 1953 год. Критики считают, что картина выражает "преобладающую ныне космическую тревогу".

В музее много картин социальной направленности.



Питер де Франсия. "Казнь Белоянниса". Питер де Франсия - итало-британский художник, который был профессором живописи в Королевском колледже искусств.
Сюжетом этой картины стала казнь в Греции в 1952 году Никоса Белоянниса по обвинению в шпионаже, героя-коммуниста, сражавшегося с нацистами. Международную кампанию по его спасению была поддержана Сартром и Пикассо.



Андре Фужерон. "Замученная Испания". 1937 год. Это был период, когда идеологическая поляризация в Европе достигла апогея во время гражданской войны в Испании, как восстание правых военных против правительства левых партий Народного фронта. На сайте галереи образ картины Фужерона описывается, как "лошадь и женщина, которые в своем замученном состоянии служат олицетворением Испании".

Тема социального и экономического неравенства продолжается и в 21 веке.



Андреа Бауэрс. "Майский шест рабочего, поднятый на Первомай 1894 года". 2015 год.
Работа представляет из себя рисунок черным перманентным маркером на фрагментах картонных коробок, собранных в прямоугольник с неровными краями. Это тот же самый материал, который использовали в том году в Нью-Йорке и в других местах по всему миру в протестах против социального и экономического неравенства. В качестве исходной точки Бауэрс обратился к работам британского художника-социалиста и иллюстратора Уолтера Крейна.

Еще одна социальная тема - феминистское искусство.



В 1985 году в Нью-Йорке в результате пикета напротив Музея современного искусства, состоявшегося годом ранее, образовалась группа Guerrilla Girls. "Партизанки" - анонимная группа художниц-феминисток, занимающихся борьбой с сексизмом и расизмом в мире искусства. Для привлечения внимания группа использовала culture jamming (форма протеста некоторых социальных движений для разрушения или подрыва медиа-культуры и ее основных культурных институтов, включая корпоративную рекламу).
Главные претензии этой группы были в том, что в музеях и картинных галереях мало картин женщин-художников и много обнаженных женщин. Тема эта спорная, и "партизанки" пытались решать ее с помощью юмора (чего не скажешь о нынешних феминистках).
На вопрос о масках гориллы, девушки отвечали: "Мы были партизанками до того, как стали гориллами. С самого начала пресса хотела рекламные фотографии. Нам нужна была маскировка. Никто точно не помнит, как появились наши маски, но есть одна история о том, что на первой встрече одна не слишком грамотная девушка, написала 'Gorilla' вместо 'Guerrilla'.  



Тема Ирака, Ливии не осталась незамеченной у современных художников.
"Боевики повстанцев захватили диктатора Ливии Каддафи, спрятавшегося вместе со своими телохранителями в большой дренажной трубе. В ходе серии безумных событий диктатор был ранен, а затем его вытащили из укрытия и убили, при этом существуют противоречивые сведения о точных способах его смерти. Видеозапись его последних минут, снятая на мобильный телефон, транслировалась по всему миру. Через несколько дней после этого польский художник Вильгельм Сасналь решил превратить три ключевых изображения событий в картины разных стилей и масштабов, пытаясь спасти их для потомков от потока новостных изображений".
Каддафи 1, самая маленькая из трех картин, изображает труп свергнутого диктатора, лежащий на матрасе в пустой комнате. На картине Каддафи 2 изображена группа боевиков, рассматривающих и фотографирующих тело Каддафи.



На картине Каддафи 3 изображено тело диктатора, убитого 20 октября 2011 года.
Искусствоведы считают, что "Все фигуры, кроме одной, были обезличены за счет обрезки изображения так, что видны только их тела. В такой трактовке темы Сасналь, обращается как к истории искусства, так и к истории, напоминая резко укороченной фигурой Каддафи изображение мертвого Христа Андреа Мантенья в пятнадцатом веке через драматический ракурс трупа".
 


Художественно обыгрывается и модная нынче "черная" тема.



Фирелей Баес. "Карта Британской империи в Америке". 2021 год.
Баэс создала эту работу, взяв увеличенную историческую карту побережья Новой Англии и наложив на нее бурлящие морские течения. Картина "увековечивает память истории, оживляя в великолепных красках историю народов, перемещенных из стран Карибского бассейна на протяжении веков колониальными захватчиками".

Продолжение следует...

Оставить комментарий

Популярные посты:

• Ранее
• Архив