Musée des beaux-arts de Montréal, part II

green_fr — 26.11.2021 В Монреальском музее в очередной раз показал себе, что нет предела человеческой глупости. Решил пообедать. Подхожу к девочке на входе в музей, спрашиваю у неё, смогу ли я потом зайти ещё раз по этому же билету? Да, конечно, говорит она. Идите, кушайте, приятного вам аппетита. Главное — билет не потеряйте. Ну, дальше понятно, да? Возвращаюсь в музей, ощупываю все карманы — билета, конечно же, нет. Подхожу к девушке — здравствуйте! Вы меня помните? Ну, вы мне ещё приятного аппетита пожелали. Девушка вздыхает (как же задолбали эти идиоты), но улыбается и пропускает в музей.

Фоточка с обеденного перерыва. Меня в этот момент как-то совсем на счастье развезло — погода прекрасная, музей приятный, планов никаких, кроме того, что хочу делать я здесь и сейчас!

---

В соседнем здании продолжение основной экспозиции, хронология обратная: на первом этаже «современное искусство» (первая половина XX века), чем выше поднимаешься — тем дальше уходишь по времени, вплоть до позднего Возрождения.

Слева James Tissot, «Октябрь», 1877 — с радостью встретил картину, открытка с которой висела у нас на холодильнике (с тех пор переехала на постоянную экспозицию на дверь в туалете). Картина приезжала в Париж на какую-то выставку, Анечка прониклась и купила нам открытку. Справа — Briton Riviere, «Святой Георгий и дракон», 1908-1909. Очень неожиданный момент — не сама схватка с драконом, а после схватки.



John Macalan Swan, «Мы первыми плыли по этому спокойному морю», 1897. Несмотря на очевидность ассоциации Канада — север — мишки, это картина британского художника, золотая медаль на парижской выставке 1900 года и т.п. Пишут, что во второй половине XIX века в Европе было сильное увлечение всеми этими арктическими-антарктическими эпопеями.



Фрагонар, «Франциск I в мастерской Бенвенуто Челлини», 1820-1830. Насколько я понимаю, люди в правом нижнем угла крутят перед французским королём статую, чтобы тот смог её рассмотреть, не напрягая свои королевские ножки. Я подобное приспособление видел в Лувре на скульптуре Кановы «Амур и Психея» — её уже давно, конечно, не крутят (да и короли-то у нас перевелись), но ручки для верчения остались.



Слева — Alberto Martini, «Автопортрет», 1929. Шикарный автопортрет! И очень хорошая, на мой взгляд, иллюстрация того, что «рисовать похоже на настоящее» — это не главное в живописи. Уже 100 лет. Вот здесь — у кого повернётся язык сказать, что он не умеет рисовать? Нет, он хотел нарисовать именно это.
Справа — Kees van Dongen, «Актриса в роли Гамлета», 1922-1923. Ещё одна почему-то до сих пор больная тема — кому кого можно играть. Ах, вы слышали? На роль Цезаря взяли китайца! Куда катится мир?!



Прекрасно узнаваемый (это его «портрет журналистки Сильвии фон Хартен») Отто Дикс. Здесь — «Портрет адвоката Хьюго Симонс», 1925. Справа — монограмма художника.



Слева — практически иллюстрация к «Стенке» Pink Floyd, но это Wilfredo Lam, «Вождь на коне», 1959. А справа — мой любимый Баския, «Un comité d’experts», 1982. Кураторы музея пытаются искать какой-то смысл: Venus и Madonna — это имена подружки художника и его любовницы (попытайтесь сформулировать отличия этих двух терминов), и отношения у них были примерно как это изображено на картине. Но мне и без этого красивое!



Йозеф Бойс, «Санки», 1969. Я узнал о Бойсе после выступления Юрия Альбрета в Помпиду (до сих пор считаю тот пост одним из самых лучших в моём ЖЖ, сколько раз уже на него ссылался!), потом видел его в Меце. Здесь та же история, которую цитировал Альберт: спасение во время Второй мировой войны, обмазывание жиром (это кусок жира лежит на санках перед одеялом). То есть, это не просто санки, это для него комплект предметов первой необходимости.



Stephan Balkenhol, «Большая пара: головы мужчины и женщины», 1990. Очень странное сочетание огромного размера и грубой обработки дерева. Эффект пикселизации, Майнкрафт.



Mark Tansey, «Action Painting II», 1984. Мне показалось это издёвкой «концептуалистов» над «абстракционистами». Ну да, последние зачастую проповедовали приоритет процесса над результатом, фиксирование момента. И автор с одной стороны формально «фиксирует момент», но при этом соблюдает требование масс «чтобы было похоже». Одновременно выворачивая смысл происходящего до полного сюрреализма: медлительность «классической» живописи — против мгновенности старта ракеты. Отдельно, конечно, приятно, что картина выглядит как странно состарившаяся чёрно-белая фотография :-)



Panayiotis Vassilakis, «Télésculpture 1960», 1960. Просто интересный ход для скульптуры — использование магнетизма (в «нормальном» смысле этого слова). Кураторы напоминают, что в 1960 году все бредили покорением космоса.



George Segal, «Женщина, сидящая на кровати», 1993. Отличный сопроводительный текст от автора: он пытается сделать «Рембрандта наоборот». Рембрандт писал двухмерные картины, изо всех сил старавшиеся казаться трёхмерными — он сделал трёхмерное произведение, которое (правда ведь!) в первую очередь выглядит как двухмерная картина (я специально кадрировал так, чтобы была видна её трёхмерность). Путь и странная картина — её можно рассматривать с разных сторон, но объёма она от этого всё равно не приобретает.



Я немедленно вспомнил, как в 1999 году увлекался фотографией «под фотообои». Идея была в том, чтобы делать фотографии на фоне настоящей природы, но таким образом, чтобы ты выглядел на этих фотографиях как на фоне фотообоев. Максимально плоский фон, максимально нереалистическое освещение, впечатление неумелого фотошопа.

«Шахматы» Сальвадора Дали, 1964-1971. С присущими артисту извращением и сфокусированностью на себе любимом, он сделал шахматные фигуры из слепков собственных пальцев. Исключения — ладьи (солонки из гостиницы) и ферзи (пальцы Галы). Королей и ферзей венчают короны — слепки молочных зубов Дали (так и представляю его: о! пригодились! а ты говорила...)

---

Интересная идея: выставка «Hors cadre» — произведения работников самого музея. Понятно, что это, наверное, не тот же уровень, что у постоянной коллекции, но мне с моим «рабоче-крестьянским» вкусом часто такие вот полу-любительские вещи нравятся даже больше. Как минимум, они понятнее.

Здесь явная отсылка с Венере Леспюгской, которую я видел в Помпиду, а потом мы с Анютой ещё раз — в парижском Musée de l’Homme (отличный музей, дойдут ещё руки, я верю). Это такие маленькие скульптуры, которые автор фотографировала на фоне природы, как будто они прорастают из-под снега.



После скульптур Пеноне я как-то полюбил дерево в искусстве. Слева — картины «100 лет, 21 век». Я тут же вспомнил прекрасный спил дерева в замке Eu, на котором стояли стрелочки с указанием, что происходило во Франции в тот момент, когда дерево было вот таким. Но тут, конечно, на 100 лет дерево не тянет, по-моему. Уж точно не тянет на 100 лет 21-го века :-)
Справа — «Ready-made». Просто завораживает. Как написали на табличке — идеально неидеальная текстура.



Слева — первая увиденная мною картина про нынешнюю пандемию, «Карантин». Бутылку узнаю, это наш карантин :-) На табличке к картине справа был какой-то текст про людей, обезьян и расизм, а мне картина понравилась доведением до абсурда идеи равенства людей и прочих животных, благодаря которой мы постоянно видим новые права животных, новые разговоры об их чувствах и прочий антропоцентризм. Мне очень сложно серьёзно воспринимать все эти разговоры, когда животным (а то и растениям / предметам) приписывают человеческие эмоции на основании того, что какие-то их реакции похожи на наши.



Пара фотографий, обыгрывающих французские (на табличке пишут «квебекские») поговорки: poser un lapin (дословно «поставить кролика») = не прийти на встречу, и avoir un chat dans la gorge (дословно «иметь кота в горле») — иметь раздражение (есть странный русский глагол «першить») в горле.

---

Наконец-то начинают встречаться туалеты без разделения по полу. Ну и средняя иконка прикольная.

Оставить комментарий

Популярные посты:

• Ранее
• Архив