Визуальная какофония

shakko_kitsune — 03.07.2018 Так что же не так с тем художником с синдромом Плюшкина, которого я вчера показывала?
Многие попросили все-таки обьяснить.



А с ним, на самом деле, та же проблема, что и у Шилова -- недостаток образования, что сказывается и во внешнем (технике исполнения), и во внутреннем (идейном наполнении). При взгляде на одну работу это не сразу видно, но если большую дозу этого художника принять, становится ясно, что это системный недостаток.


Итак, смотрите, имеется наш современник, человек конца ХХ - начала XXI века. Это означает, что он стоит на плечах гигантов как спокойного реалистического искусства, так и беспокойного "нового" искусства ХХ века самых разных стилей и направлений. При этом он делает выбор играть по правилам реалистического искусства, работать в жанре натюрморта и использовать наработки классиков.  В своих работах он прямо использует цитаты из старинных вариантов натюрморта.

Например, есть такая вариация натюрморта, как "тромплей" (обманка), который был популярен и в семнадцатом веке, и в девятнадцатом.

Cornelis Brizé. Treasurers' papers and documents. 1656


Также ощущается изучение методов Арчимбольдо и его собственного жанра обманок (эти иллюзии называют словом "парейдолия").

Арчимбольдо. "Библиотекарь". Ок. 1570


Еще в 17 веке встречались такие натюрморты, которые можно охарактеризовать как "портрет моей маленькой симпатичной коллекции". Люди, у которых были свои кунсткамеры, "кабинеты курьезов", заказывали изображения своих коллекций -- собраний редких ракушек, монет, статуэток, т.п.

Доменико Ремпс. "Кабинет курьезов", 1690-е


Между прочим, если вдруг кто не знает, идея зашифровывать в натюрморты какие-либо аллегории и послания -- отнюдь не нова, именно с этой целью натюрморты все первые века своего существования и создавались. Собственно, "бессмысленные" натюрморты, просто для красоты, только в 19 веке, по большому счету, и появились. Так что автор обращается к опыту старых мастеров и использованием темы ребуса.



Однако, в целом творчество обсуждаемого современного автора показывает, что предшественников он изучил, чего-то нахватал, но сути не понял. То есть он попытался "исполнить классическую оперную арию", но, не будучи "оперным певцом", напел  в "формате Рабиновича".
Понять, что именно дядя делает не так, может с легкостью  "слушатель", который знает, как устроена "классика". Если же вы не насмотренны в этом направлении, то понять, что не так, все-таки будет трудновато. (Я могу обьяснить по пунктам, но это реально долго, занудно, и скучно).

Это, кстати, к вопросу -- как научиться разбираться в искусстве? (Неважно, в классике или в абстракции).
Ответ: смотреть, смотреть, смотреть и еще раз смотреть. .
Точно также, как научиться разбираться в сортах вина -- дегустировать и дегустировать.
Или как вырастить английский газон.

И дело даже не в том, что этот художник "фальшивит". Нет, он просто даже не попадает в форму, он не знает, как этот мир устроен, но пытается воспроизвести его какие-то внешние принципы. Мяуканье французской песни, не зная французских слов.
Эдакий карго-культ, "калашников", вырезанный из древесины.



Почему у него не получается? Почему заметен дурной вкус?
Человек недопонял, недоучил, не вгрызся в гранит наук. Возможно, надо было потратить больше времени на изучение прототипов, к которым он как бы пытается примазаться.

Но подозреваю, дело все-таки во врождённом отсутствии "слуха".
Может быть, он не может воспроизвости  красоту старых мастеров, потому что ему не дано врожденное ощущение гармонии, "глаз".
Возможно, он не видит, в чем проблема.



Шарден. "Атрибуты искусств с бюстом Меркурия", 1728


Это можно предположить на основании тех элементов ХХ века, которые он добавил в свои натюрморты.

Средний зритель обычно критикует искусство ХХ века, "эти каляки-маляки", на том основании, что, мол, если вещь изображена нереалистично, то не разобрать, "умеет" ли автор по-настоящему рисовать, или это небрежная завитушка в стиле "и мой ребенок также нарисует".
Однако, как демонстрирует творчество рассматриваемого автора (а также многих других художников "арбат-стайл"), умение натуроподобно воспроизвести фактуру предметов -- это все-таки не синоним "быть хорошим художником".

Гораздо важнее твердая рука и хорошая линия, а также умение чувствовать гармонию, пропорции, воздух.

Jean Metzinger. Chat et poisson (c. 1950)


Многие вчера правильно отметили, что у автора есть что-то под Сальвадора Дали.



Действительно, он явно изучил сюрреалистов, и ему, судя по-всему, больше всего понравился их ирреальный, небывалый свет.

Morandi, Giorgio. Natura morta con manichino. С. 1919


Но, понимаете, тут опять, как и со старыми мастерами: механическим воспроизведением отдельных приемов ты не добьешься правильного результата. Надо целиком в их шкуру залезть.
А тут, вдобавок, и "лоскутное одеяло" получилось: Арчимбольдо+Дали+еще куча всяких.
Комбинировать такое удачно, делать интертекстуальную игру стоит лишь если у тебя есть талант, удача, чутье.

Вдобавок, Сальвадор Дали, что бы ни говорили, великий художник не потому, что ездил голым на велосипеде при Хачатуряне, носил клевые усы и любил Галу -- короче, не потому, что умел круто пиариться.

А потому что прекрасно знал, что пустое место, воздух -- такой же важный персонаж картины, что и предметы. Что их расположение должно подчиняться определенному ритму, диагоналям движения. Что цвета должны быть гармоничными и хорошо сочетаться. Короче, обычные примитивные вещи, которым учат в художке. И вдобавок он сдабривал все это своим уникальным вИдением, своей личностью.

Сальвадор Дали. "Живой натюрморт". 1956


Сальвадор Дали. "Евхаристический натюрморт". 1952


Сальвадор Дали. "Без названия (Натюрморт с белой тряпкой)". 1969


Сальвадор Дали. "Дематериализация вблизи носа Нерона", 1947


А теперь давайте опять взглянем на нашего немца.
(Кстати, один из маркёров -- повторение из картины в картину одного и того же композиционного приема. Он все ставит симметрично относительно центральной оси. Во-первых, это поднадоедает и выдает то ли его композиционную слабость, то ли некую одержимость. Во-вторых, такой принцип устарел еще со времен гегемонии религиозного искусства, когда самое главное (Бог) располагалось строго по центральной оси. С той поры уже много веков прошло, хорошо б поработать над вариативностью все-таки).




Еще, возвращаясь к аналогии оперной арии, он просто "фальшивит". Он пытается быть реалистом с сюрреалистическим видением. Но чтобы быть хорошим сюрреалистом (НАДреальным), надо сначала стать просто хорошим реалистом. У него не получается. У него неправильно падают тени, неправильные перспективные искажения. И это как раз тот случай, когда тезис "я художник ХХ века, нам можно быть не реалистами!" не срабатывает.



Автору явно нравится, что он делает, он повторяет это из раза в раз, и это означает, что он не считает это недостатками.
Хозяйке на заметку: если ты заметил у себя недостаток -- сделай из этого фишку! (Носатая Клеопатра и Синди Кроуфорд с родинкой согласно кивают). Художники ХХ-ХХI века этим активно пользуются и обычный зритель, чуя этот подвох, собственно, поэтому и не доверяет их техническому мастерству.

Этот -- так не стал поступать.
Он сделал фишку из другой особенности своего творчества, которая лично мне (но это уже больше вкусовщина), кажется болезненностью, психопатологической. Синдром Плюшкина: огромное количество втиснутых вещей, а потом еще тщательное их выстраивание в пирамидки и другие конструкции. Какое-то компульсивное коллекционирование вижу в этом я. При этом еще предполагается какой-то зашифрованный смысл в этом натюрморте, ребус -- но чересчур всего много.

Все-таки историю можно рассказать и не "толпящимися" предметами. (Иногда меня спрашивают -- как научиться хорошо писать статьи. Мои журналистские делаются так: обычно я пишу 10 тыс. знаков текста, а потом отсекаю все лишнее и избыточное, делаю максимально просто и понятно каждую фразу и каждое выражение. В идеале выходит 6-7 тыс. знаков. Вот все творчество так: совершенство -- в отделке и лаконичности).

Johann Georg Hainz - Cabinets of Curiosities, 1666


Но вернемся к теме.
Ощущение болезненности дополнительное -- еще из-за того, что любимая колористическая гамма у автора коричневая (Люшер не одобряет).

Уже чисто обьективно с художественной точки зрения: дополнительные цвета, которые он использует, не могут этот коричневый победить. Дополняют эту гамму неудачно. Лучше было бы выбрать иные оттенки, но возможно, у него не хватает для этого либо школы, либо чутья. Отношения с темнотой/светом, ощущением воздуха, художнику тоже выстроить не удалось.

Худ. Андрей Белле, наши дни.


На самом деле, надо еще разговаривать о том, что такое пошлость в современной "реалистической" живописи. (И как ее избежать, если ты начинающий художник). Но явно уже не сегодня, сорри.

Мораль пока такая: если хочешь стать хорошим художником -- постоянно упражняй руку, тренируйся и тренируйся и тренируйся. И постоянно упражняй глаз -- смотри, изучай, проглатывай, расчленяй то, что сделали до тебя, пытайся разгадать загадки чужого мастерства, чужих рецептов.

Ozias Leduc. Nature morte au mannequin (1898)


***

Пожалуйста, посмотрите еще раз картины в этом тексте, сравните "старых мастеров" и современных, и выскажете свое мнение о том, какие выигрышные приемы остались в арсенале молодых мастеров, и насколько удачно они срабатывают. Можно ли без этих приемов в натюрморте обойтись, как вы думаете?

Оставить комментарий

Популярные посты:

• Ранее
• Архив